Con las nominaciones al Óscar y la temporada de premios todo el mundo está hablando sobre ‘1917’ y sus planos secuencia para contar una heroica historia de la Primera Guerra Mundial. En TekCrispy les hablamos un poco sobre el behind the scenes de la película de Sam Mendes y Roger Deakins, específicamente el cómo lograron hacer que la cinta diera la sensación de haber sido filmada íntegramente en plano secuencia, una técnica utilizada desde hace décadas en el mundo del cine.

Hoy te traemos una lista de películas que han utilizado esta técnica que da una sensación de realismo y sumersión del espectador en la historia. No es en lo absoluto una técnica fácil de lograr, dado el nivel de coordinación que se requiere entre todo el equipo presente en el set. ¿De dónde surgió este singular estilo de grabar escenas sin pausa y cuáles son los momentos más icónicos en la historia del cine? Te contamos a continuación:

‘Lola Montès’ – Max Ophüls (1955)

El cine alemán siempre ha sido de gran influencia para Hollywood, especialmente el trabajo de Max Ophüls, director sirvió de gran influencia para grandes maestros del cine como Alfred Hitchcock, Paul Thomas Anderson, Martin Scorsese y Stanley Kubrick, también para directores más modernos como Noah Baumbach.

No solo en cuanto a su estilo para hacer películas, sino por sus técnicas empleadas para contar historias en las que destaca el plano secuencia que empleó en ‘Lola Montès’, película que sería su última obra y su primera grabada a color que narra la historia de una bailarina que utiliza sus encantos femeninos para obtener éxito y riqueza de hombres, que, aunque de a ratos se sentía amada, realmente termina por convertirse en un objeto.

‘Paths of Glory’ – Stanley Kubrick (1957)

‘Full Metal Jacket’ no es la única película bélica de Kubrick, muchos años antes de ese clásico que nos llevó a ver la crudeza de la Guerra de Vietnam, en 1957 el director estadounidense estrenó ‘Paths of Glory’, una historia basada en hechos reales que muestra la atrocidad de las ejecuciones de soldados por insubordinación y cobardía en la Primera Guerra Mundial, fundadas en hechos completamente improcedentes.

Protagonizada por Kirk Douglas, la película nos lleva a un año antes de ‘1917’ en Francia, y contiene varias escenas rodadas en plano secuencia como esta que ocurre dentro de las trincheras que podríamos tomar como una referencia directa a la de Sam Mendes y Roger Deakins:

‘Touch of Evil’ – Orson Welles (1958)

Para muchos expertos en la materia, ‘Touch of Evil’ es la segunda obra maestra de Welles después de ‘Ciudadano Kane’, y no es para menos. Esta joya del cine se volvió icónica por tener el plano secuencia más largo hasta entonces, de 3 minutos de duración. Sin embargo, expertos más observadores captaron una escena aún más extensa que la introducción y es la que se lleva a cabo dentro del apartamento.

Con la cuenta regresiva de una bomba que está por estallar de fondo, Welles nos lleva a un apartamento topado de gente, que, si bien comienza como un espacio bastante amplio, luego se nos queda pequeño, dándonos una sensación de claustrofobia con un plano secuencia que parece interminable.

‘Rope’ – Alfred Hitchcock (1948)

Claro que no podemos hablar sobre innovación en el cine sin hacer mención al maestro del suspenso, Alfred Hitchcock y su película ‘Rope’, una de las películas más reconocidas en cuanto a planos secuencia se refiere. No obstante, la cinta no está filmada completamente bajo esta técnica, solo que está tan bien editada que evoca una sensación de plano secuencia.

Para entonces, filmar una escena sin cortes de más de 10 minutos era una tarea bastante difícil por la naturaleza de la industria del cine de la época, de manera que ‘Rope’ no es realmente una película que emplee el plano secuencia en sus escenas, sino un falso plano secuencia que es imposible de dejar fuera como referencia a este tema. La razón es que, para la época, los rollos de 35 mm que existían en el mercado solo permitían grabar hasta 10 minutos.

Tomando este dato en cuenta, había que hacer algo de magia para que esos cortes no fueran tan evidentes, de manera que Hitchcock, Joseph A. Valentine y William V. Skall –los encargados de la cinematografía de la película– grababan los cortes de las películas con tomas dolly enfocadas en puntos inmóviles y comenzaban la siguiente escena en ese mismo punto con un alejamiento. Utilizando esta técnica, la película se grabó en solo 10 tomas, obteniendo un efecto de falso plano secuencia que sigue sorprendiendo después de más de 70 años después de su estreno.

‘The Passenger’ — Michelangelo Antonioni (1975)

Esta película protagonizada por Jack Nicholson en la que encarna el papel de un periodista que debe asumir la identidad de una persona fallecida, tiene una de las escenas más valoradas por la industria del cine por su increíble plano secuencia de casi 7 minutos que comienza dentro de una habitación de hotel y que va saliendo poco a poco para hacer un giro de 180 grados que termina fuera de la ventana de la misma habitación.

Se trata de toda una proeza del cine, pues según se sabe, la cantidad de detalles y dificultades técnicas que el equipo tuvo que atravesar para lograr la toma era impresionante. Por ejemplo, la luz debía ser la misma dentro y fuera de la habitación, puesto que no había lugar para ajustar la apertura del lente en el proceso. Así que solo tenían una oportunidad para filmar la escena completa: entre 5 y 7:30 de la tarde.

‘Goodfellas’ – Martin Scorsese (1990)

Quizás se trate de una de las escenas con plano secuencia más conocidas en el cine de Scorsese, y vaya que se ganó la buena reputación con la que cuenta, pues los obstáculos que se presentaron para lograr la toma perfecta fueron innumerables, sin mencionar la cantidad de intentos que tuvieron que hacer para llegar a la ideal.

En esta escena vemos la entrada triunfal de Henry Hill al Copacabana, con Karen en su brazo, en un paseo en el que no solo se busca impresionar a la cita sino también a los espectadores. La idea de Scorsese era que la secuencia durara 3 minutos y para lograrlo tuvieron que tomar algunas previsiones.

El productor de la cinta, Irwin Winkler habla al respecto:

“Nos tomó todo el día preparar a los actores, esconder las luces, las entradas y salidas (…) A medida que caía la noche, comenzamos a filmar y obtuvimos seis o siete tomas que no eran perfectas mecánica o dramáticamente”.

Y justo cuando rodaron la escena perfectamente, el actor que hace de comediante del Copacabana, Henny Youngman, dijo mal la línea que había dicho al menos unas cuarenta veces durante el día. No obstante, la nueva oportunidad de lograr la toma llegaría y para cerrar la escena, Youngman dijo la línea correcta y todo el equipo lo aplaudió.

‘Magnolia’ – Paul Thomas Anderson (1999)

Para Paul Thomas Anderson la stedicam es parte de su filmografía y la utiliza en sí como un lenguaje para narrar historias. Si bien ‘Booggie NIghts’ (1997) es donde podemos ver mejor representada esta técnica del plano secuencia, la escena del estudio de televisión en ‘Magnolia’ resulta muy interesante por la manera en que fue rodada y cómo se utiliza para presentar a cinco personajes de la película en una sola línea.

En ‘Magnolia’ también podemos ver un movimiento de cámara más rápido que el de ‘Boogie Nights’, dando una sensación de ansiedad por llegar rápidamente al desarrollo de la historia. En este video pueden ver la evolución del uso de la stedicam en el trabajo de Anderson con los planos de cada escena, para aquellos que disfrutan este tipo de curiosidades cinéfilas.

‘El arca rusa’ – Aleksandr Sokúrov (2002)

Para todos los amantes de la historia, ‘El arca rusa’ es un auténtico paseo por las diferentes épocas de Rusia en una sola toma en el museo Hermitage o antiguo Palacio de Invierno, ubicado en San Petersburg, en el que los espectadores somos unos simples visitantes del museo llevados de la mano por un guía muy particular.

Es la primera película comercial en rodarse completamente en plano secuencia –90 minutos de 96 que dura toda la película– y aunque su trama es impresionante por la cantidad de datos históricos –300 años de historia de Rusia–, se ve superada por la producción de esta película, en la que participaron más de 2000 actores, mil extras, tres orquestas en vivo y 22 asistentes de dirección que iban marcando el paso de cada actor.

Solo les tomó cuatro intentos para grabar la película completa y se logró en un solo día, pues por cuestiones obvias de logística debían cerrar el museo en su totalidad, de manera que solo tuvieron permiso para una jornada.

Les advertimos que se trata de una película interesante pero densa en partes iguales, pero esperamos que con estos datos valga la pena verla completa.

‘Oldboy’ – Chan-Wook Park (2003)

Si pensaban que los planos secuencia no tenían mucha acción, quizás deberían revisar esta escena de ‘Oldboy’, un clásico del cine norcoreano en el que se ve representada la idea de “un individuo vs. el mundo” en el que el actor Choi Min-sik se mide contra un montón de hombres rudos tan solo con un martillo y por supuesto el resultado es increíble.

Para hacerse una idea de lo magistral que es esta escena, en la versión de ‘Oldboy’ que hizo Spike Lee en 2013, esta escena fue tan imposible de lograr que el mismo Lee confesó que, aunque se grabó sin interrupciones, lamentablemente se editó en posproducción y de hecho tiene un corte. Para lograr la perfección de la original coreana, Josh Brolin tuvo que ensayar la coreografía durante seis semanas y cuando terminó de actuar la escena completa, lloró.

‘Atonement’ – Joe Wright (2008)

Parece que las películas bélicas y los planos secuencia se llevan muy bien. Además de ‘Paths of Glory’ y ‘1917’, ‘Atonement’ también capturó los horrores de la guerra, esta vez de la Segunda Guerra Mundial, especialmente la historia de los soldados atrapados en Dunkerque, antes que Christopher Nolan lo hiciera, cabe destacar.

A diferencia de los planos secuencia que suelen ser una experiencia de inmersión total en la escena para el espectador, la toma de cinco minutos en ‘Atonement’ convierte al espectador no en un soldado más de la batalla, sino en un testigo del horror, lo cual la hace más desesperante. A medida en que pasan los minutos, vemos más del desastre y vamos perdiendo la esperanza de que termine bien.

Una vez más, el plano secuencia se utiliza como un elemento narrativo dentro de la historia, esta vez para demostrarnos la desesperación y devastación de lo ocurrido en Dunkerque en 1940.

‘El secreto de sus ojos’ – Juan José Campanella (2009)

Representando a Latinoamérica, Campanella puso en alto en nombre de Argentina y América del Sur con ‘El secreto de sus ojos’ al llevarse el Óscar a mejor película extranjera, con Ricardo Darín al frente como protagonista.

Basada en la novela ‘La pregunta de sus ojos’ de Eduardo Sacheri, la película se sitúa en la Argentina de 1974, en los días previos a la férrea dictadura que azotó al país por años. Sobre el aplaudido plano secuencia, Campanella comentó –más allá de revelar el cómo se hizo– que al equipo le tomó “dos años de preparación, tres días de rodaje y 200 extras, y nueve meses de posproducción, empleando en parte el programa Massive que usó Peter Jackson para El señor de los anillos”.

¿Hace falta añadir algo más? Solo los dejaremos con la impresionante toma, que debemos advertir que contiene spoilers, por lo que aún si no han visto la película, recomendamos verla primero antes de arruinarse la trama.

‘Children of Men’ – Alfonso Cuarón (2006)

Nuevamente Latinoamérica dejando en huella en Hollywood, esta vez con el mexicano Alfonso Cuarón y ‘Children of Men’. Esta película ambientada en un futuro distópico contiene tres largas que no son realmente planos secuencia completos.

El departamento de efectos especiales tuvo que “combinar varias tomas para crear tomas increíblemente largas”. Cada uno de los integrantes de ese equipo tenía la misión de crear la ilusión de un movimiento de cámara continuo. Para la escena que les mostramos a continuación, el equipo grabó desde seis puntos diferentes en cuatro locaciones distintas durante una semana, además de cinco transiciones digitales.

Y la escena más icónica de ‘Children of Men’, en la que Clive Owen se esconde detrás de un autobús y se ve una explosión que salpica muchísima sangre fue un giro del destino y un golpe de suerte, tal como lo comentó Cuarón.

‘Birdman’ – Alejandro González Iñárritu (2014)

Emmanuel Lubezki vuelve a lograrlo con su ilusión de planos secuencia –ya lo había hecho con ‘Children of Men’–, esta vez de la mano de González Iñárritu con ‘Birdman’. La premiada película protagonizada por un gran elenco liderado por Michael Keaton, Edward Norton y Emma Stone tiene la apariencia de haber sido filmada en una sola toma, pero en realidad tiene muchos falsos planos secuencia.

No obstante, aun cuando se trate de un falso plano secuencia, el nivel de producción, coreografía y edición de la misma le valió varias estatuillas al Óscar. Según sabemos, algunas tomas tienen una duración de 15 minutos en plano secuencia, lo cual ya supone un éxito en términos de coordinación del equipo.

‘1917’ – Sam Mendes (2019)

Finalmente llegamos al punto de partida, la película que inspiró este post. La tercera cinta bélica en tener planos secuencia en su historia, ‘1917’ cuenta la épica de dos soldados que, habiendo quedado detrás de las líneas enemigas, son enviados a frenar un ataque contra los alemanes para evitar una masacre.

Todo lo que ocurre en el camino es digno de otorgarles medallas por su heroísmo, pero los premios también deben llevárselos Mendes y Deakins por su impecable ejecución del efecto de toma continua en una guerra de la que nos sentimos parte.

¿Conoces más escenas de películas filmadas en plano secuencia? Cuéntanos en los comentarios.